"El artista siempre tiene que luchar, no se puede parar nunca"

Zoltán es un pintor nacido en Budapest el 1 de marzo de 1963. Estudió en la Academia de Bellas Artes húngara con el profesor Fischer y posteriormente en la Academia de Bellas Artes de Paris. Al mismo tiempo se licenció en Historia y Literatura Universal en la Universidad Elte de Budapest. En 1984 firma un contrato exclusivo con la Galería Art 3000 en París donde trabajó hasta los años 90 trabajó como director artístico.

En el año 1988 obtuvo el Internacional Grand Premio Goya y 9 años después el Premio Movimiento Olímpico. En 2002 abre la Galería Kapzatmosphery, Miami y en 2004 abre el Salón de Arte Zoltan, Budapest. En el año 2005 crea la marca Apoyo el Arte®, Madrid, para un año después crear la Fundación Apoyo el Arte®, Budapest, Madrid.

Posteriormente en el 2006, fue galardonado con el Premio Álvaro Mutis. Después en 2007 fue nombrado Excelentísimo Académico Correspondiente de la Real

Academia de Bellas Artes de Cádiz. Finalmente en 2008 le otorgaron la Medalla de Oro de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz y en 2011 obtiene el Premio de la ciudad de Cegléd, Hungría.

Ha expuesto por todo el mundo empezando en Hungría y en Budapest donde ha realizado vayas muestras, anuncios, promociones y trabajos en distintas ramas. El resto de Europa también ha podido disfrutar de sus series sobre todo en París, en Viena, Berlín o Londres. En nuestro país ha realizado un recorrido por diversas islas del archipiélago canario. Además su obra es internacionalmente conocida.

Desde el año 2010 ha establecido de nuevo su taller en Madrid, donde ha expuesto en varias ocasiones y en varias galerías. En 2013 ha realizado ya dos exposiciones en Nueva York.

Antes de comenzar la entrevista se muestra bastante cercano y nos anima a que le hagamos preguntas. Nos cuenta que ha tenido relación con estudiantes previamente aunque tampoco demasiada y por eso quiere que seamos cercanos al dirigirnos a él.  Se define como un artista, un creador verdadero que no se hace sino que se nace siéndolo. Opina que la técnica, las herramientas que utiliza para plasmar su arte, transmitir sus sentimientos, pero no son lo más importante. Saber pintar no significa ser artista, hay que transmitir si no transmitiera nada solamente seria un artesano.

En sus series busca crear y transmitir un mensaje basado en sus vivencias personales. Un artista tiene que estar informado: saber mucho, viajar, hablar con la gente, escuchar música, etc. Es necesario estudiar mucho y estar muy bien formado.

Transcurre varios meses en los que piensa lo que quiere pintar y escribe primero las ideas que tiene, para luego desarrollarlas. Antes que nada se pregunta ¿Por qué y qué quiere pintar?

Pregunta.- ¿Para crear una obra cuál es tu primera sensación?

Respuesta.- Siempre pinto series compuestas por 30 ó 40 obras. Los meses previos llevar a cabo las series son muy intelectuales. Busco qué estilo voy a aplicar (óleo, acrílico), el formato que voy a utilizar, lo que quiero representar en ellas. Lo tengo todo escrito previamente. Los primeros lienzos son tanteos en los que voy viendo lo que quiero realizar.

Pregunta.- ¿Qué te llevo a realizar el cuadro "Homenaje a Puskas? Hablénos acerca de él.

Respuesta.- Llevo varios años viviendo en España pero soy de origen húngaro y mi relación con Hungría es bastante profunda. Intento representar la cultura húngara en todos los sitios en los que expongo. Soy o intento ser como una especie de embajador de Hungría en todo el mundo. Me siento español pero mi infancia y primeros aprendizajes fueron en Hungría. En esos tiempos tuvo relaciones con la diplomacia húngara. En concreto este cuadro me lo encargó el propio gobierno de mi país natal, para que plasmara los valores húngaros en la figura de este futbolista internacionalmente conocido.

P.- En relación con sus series sobre tauromaquia, ¿por qué tiene tanto apego con la cultura popular española?

R.- Hace 20 - 25 años pensé en hacerle un homenaje a España pero no quería que fuera tan trivial como que solamente representara los toros y el flamenco, aunque me encantan y soy muy aficionado a los dos. En el año 1991 hice un homenaje a España a través de El Greco. Pasaron los años y pensé que tenía que pintar lo que verdaderamente nos representaban, es decir, los toros y el flamenco. El año pasado se cumplieron 30 años desde que estoy aquí así que decidí hacerlo porque también es lo que más se conoce en el ámbito internacional. Por eso llevé a cabo la "Serie Olé y Olé". Cada uno de los toreros que pinté tienen una vestimenta determinada, con unos colores concretos. Necesitaba conocer los movimientos concretos para poder representarlos lo mejor posible, por lo que tenía que conocer mucho sobre todo el mundo taurino. Hice fotografías para luego poder pintarlo. Son figuras "reales" en las que busca un lenguaje diferente usando los relieves o la recomposición del cuerpo humando realizada de formas novedosas. Algunas figuras incluso se asemejan a círculos porque reflejan el ruedo, el duelo entre la vida y la muerte así como el Sol y la Luna, por lo que todos ellos tienen una fuerte carga simbolista ya que también evocan al movimiento circular de un bailarín. Mis toreros están bailando y mis flamencas están toreando. Presenté por primera vez esta serie en el Círculo Financiero de Génova.

P.- Eres el presidente de la Fundación de Apoyo al Arte, ¿qué opina sobre el Arte Contemporáneo en España?

R.- Es un hecho que no existen escuelas de Arte Contemporáneo porque en él cada uno representa o plasma lo que siente y esto provoca que sea muy individualizado. Al público en general no le gusta el arte contemporáneo porque piensan que no es arte de verdad. Los artistas debido a esto van siendo cada vez más realistas aunque realmente no es necesario que sea figurativo sino que haya algo de verdad.

P.- Entonces, ¿el arte debe ser fácil de entender para el público?

R.- (Se pregunta) ¿Quién entiende el arte? El artista no. ¿El crítico de arte? Tampoco, es un pintor frustrado. ¿El galerista? Ni mucho menos porque es un hombre de negocios que vive de los artistas. El público es el que tiene que entender el arte. Han escrito más de 400.000 artículos sobre mi y en algunos de ellos me han catalogado como "impresionista lírico" por eso ahora yo también me denomino así.

P.- ¿Cómo trata el periodismo actual al arte?

R.- Hay periódicos especializados. Pero el periodismo general como pueden ser El País, El Mundo o La Razón poseen una sección bastante escasa de de arte o de cultura. En cambio los dominicales le dedican más páginas. Aún así comparado con el número de páginas dedicadas a fútbol es mucho menor. En cambio existen unos 16 programas dedicados a la cultura, por lo que está claro interesa al público.

P.- ¿Cómo se ha tratado su arte en los medios?

R.- No me puedo quejar. Se concentra en un ámbito muy concreto formado por 30 películas, varios documentales, unas cuantas entrevistas y bastantes artículos. He sido y soy un artista muy mediático.

P.- ¿Cómo le han influido las nuevas tecnologías, la redes sociales?

R.- Considero que son muy importantes porque gracias ellas pueden acceder a la información muchas más personas. Desde los años 90 tengo página web. Al principio lo entendía muy bien, ni siquiera tenía ordenador pero hoy en día considero que es un buen y muy importante escaparate. El Facebook, Twitter, una página personal son indispensables para mantener contacto con el público.

P.- ¿Ha vendido alguna obra gracias a esta mejor comunicación?

R.- Por Internet solamente he vendido 2 obras. La gente, los potenciales compradores quiere ir a la galería, al estudio para ver cómo trabajo y cuál es el lugar en el que realizo mis series.

P.- ¿Las nuevas aplicaciones producen o no democratización del arte?

R.- Expresar nuestros sentimientos es libre, puedo crear algo y no significar nada. Apoyo las nuevas formas de comunicación, me parecen muy útiles y me parece bien. Un blog por ejemplo sirve para subir cosas, los diferentes usos de los teléfonos móviles y ordenadores. Lo apoyo pero no me gusta porque no sé utilizarlos del todo. Eso sí, dan la posibilidad para que todo artista pueda darse a conocer y que no solamente los más considerados sean los que tengan mayor difusión.

P.- ¿Qué influencias tiene su obra?

R.- Como ya he dicho, muchos críticos me han denominado como "expresionista lírico" y además como un intelectual. Mi pintura es figurativa en todas mis series, intento plasmar el movimiento del ser humano. En París estudié y conocí a un bailarín que fue uno de los creadores del baile moderno en el mundo. Acudí a la Sorbona desde Hungría. También iba a la Ópera de París porque tenía un amigo allí y en una ocasión me acerqué a un ensayo para dibujar y así estudiar los movimientos. Quería aprender más de lo que aprendía en la facultad de Bellas Artes. Entonces me dejaron bailar para que sintiera lo que sentían los bailarines para así poder dibujarlo bien. Llegué a bailar con ellos durante una época. Es importante comprender las relaciones del ser humano como la felicidad, tristeza, amor, la vida o la muerte, cómo nos acercamos los unos a los otros y qué es lo que buscamos. Me interesa mucho el cuerpo femenino porque busco la belleza. El arte tiene que tener la belleza como mensaje. Por esto no me gusta el arte documentalista. El arte sirve como descanso o pausa de la vida diaria. Intento que mi arte sea un trampolín para llegar a un mundo bello.

P.- ¿Crees que arte y compromiso social tienen que ir unidos?

R.- El arte tiene que ser bello, pero esto no quita que sí que pueda tener un mensaje de este tipo. Sirve para reflejar nuestros pensamientos sobre un tema determinado. A través de lo estético creamos algo diferente.

P.- ¿Tienes obras a precio para todos los bolsillos?

R.- Mis obras tienen precios bastante altos, pero no son millones de euros. La obra gráfica es más asequible así como las serigrafías o los grabados. Los murales en cambio tienen un precio mucho más elevado.

P.- ¿Qué piensas sobre el mercado del arte?

R.- El mundo del arte es muy sucio. Depende de muchas cosas de negocios como exportar, el carácter de los pintores o las variaciones de los precios. Es un negocio. La publicidad y la promoción son muy importantes. La Gioconda por ejemplo, es el cuadro más famoso del mundo gracias a la promoción que le han dado porque en la Exposición de París necesitaban alguna obra más además de la Torre Eiffel, para poder ser mecenas, por lo que es uno de los merchandising más relevantes que se han llevado a cabo. Por otro lado las subastas también son muy importantes en este mundo. Son negocios influidos por diferentes variables.

P.- ¿Hay algo para conseguir librarse de esta mafía?

R.- Yo voy a mi aire. El artista siempre tiene que luchar, no se puede parar nunca. La semana pasada por ejemplo estuve en Arte Expo en Nueva York, que es una manera muy peculiar de hacer arte. Normalmente los pintores tienen solamente 1 representante o no tienen. El artista cuando empieza sino tiene la suerte de encontrar un buen marchante está perdido. Tener un marchante facilita mucho todo.

P.- ¿Tanto éxito tan joven no puede resultar perjudicial?

R.- No todo es el trabajo. Es necesario tener vida social, hacer entrevistas, conectar con el mundo si no venderíamos mucho menos. Por naturaleza he tratado bien el éxito y el no encerrarme únicamente en mi trabajo. Todo el mundo cuando empieza a tener dinero se acomoda y en un artista también es lógico que ocurra esto. Pero el fin para mi, y para un artista de verdad, no es el económico; su pensamiento está siempre en la creación. Yo nunca he pensado en el dinero que me voy a embolsar, si no sería una prostituta.

P.- Cuéntanos tu anécdota con la Reina.

R.- Hice una serie que se centraba en un homenaje a El Greco, que era un pintor griego que vivía aquí en España como la Reina y como yo mismo que tampoco soy de aquí. Es el pintor preferido de la Reina. Cuando pinté mi serie sobre este tema, en uno de los cuadros que la componían, pinté los ojos de la Reina. Esta obra está en la Zarzuela y aún todavía si coincide con ellos, se lo recuerdan.

P.- ¿Qué es lo más difícil a la hora de hacer una obra?

R.- El proyecto es lo más complicado.

P.- ¿Hay algún proyecto que quieres realizar en el futuro?

R.- Exponer en el MoMa de Nueva York o en el Guggenheim. Todavía me quedan muchos años y tengo ideas para realizar series durante unos 150 - 200 años, pero ahora no tengo mucha prisa. Tengo nuevas posibilidades pero las puedo llevar a cabo con un ritmo distinto, con una mayor selección.